Государственное учреждение образования

ДЕТСКАЯ ХУДОЖЕСТВЕННАЯ ШКОЛА ИСКУССТВ г.ГРОДНО

 
ГЛАВНАЯ
ШКОЛЬНАЯ ЖИЗНЬ
ЛАУРЕАТЫ КОНКУРСОВ
УЧЕНИКАМ И РОДИТЕЛЯМ
ГАЛЕРЕЯ
КОНТАКТ
ПОЛЕЗНОЕ


ГЛАВНАЯ

ШКОЛЬНАЯ ЖИЗНЬ

ЛАУРЕАТЫ КОНКУРСОВ

УЧЕНИКАМ И РОДИТЕЛЯМ

ГАЛЕРЕЯ

КОНТАКТ

ПОЛЕЗНОЕ

КРАТКИЙ КОНСПЕКТ ПО ИСТОРИИ ИСКУССТВА ДЛЯ 5 КЛАССА. ИСКУССТВО 20 ВЕКА (ПАВЛЕНКО Н.В.)

ОСНОВНЫЕ ПОНЯТИЯ И ТЕРМИНЫ ПРОИЗВЕДЕНИЯ ИСКУССТВА, АВТОРЫ
ИСКУССТВО 20 ВЕКА
1. Начало 20 века – новое в искусстве: авангард и модернизм
2. Направления модернизма
3. Парижская школа
4. Русский авангард
5. Середина – 2 пол. 20 века –постмодерн, постмодернизм
6. Искусство конца 20 - нач. 21вв. Актуальное искусство
7. Архитектура 20 века. Знаковые сооружения.
8. Современное искусство – музеи, галереи, биеналле, выставки


 
1. Начало 20 века – новое в искусстве: авангард и модернизм
На Осеннем салоне 1905 года группа художников выставила скандальные картины. Картины были столь необычные, цвета - столь яркими, что критик Луи Воксель назвал их дикими ("фовистами"- les fauves фр. - дикие). Фовизм был первым из авангардистских направлений 20 века, преобразовавшим художественный мир (авангардизм - явление в искусстве, обозначивший художников " ...слишком далеко зашедших вперед по пути разрушения принятых норм в искусстве" (А.Бенуа). Как историческое явление авангард появился только в начале XX века, но ни одно движение, группа или школа не включали термин авангард в своё название). В начале 20 века резко заявили о себе многие художники, эксперементирующие с традиционным и новым пластическим языком. Эти эксперементы были столь радикальными и столь многочисленными, что позволило дать название целой эпохе - первой половине 20 века (до 2-й мировой войны) - модернизм (итал. modernismo — «современное течение»; от лат. modernus — «современный, недавний») . Модернизм - это название явления в культуре первой половины 20 века, связанное с авангардными течениями, которые изменили традиционное искусство в поисках новых форм, техник и художественных образов. Начало эпохе модернизма было заложено в конце 19 века импрессионистами, нео- и постимпрессионистами, той первой ступенью авангардизма (аван -впереди, гард - полк, передовой отряд ), которые начали пересмотр классических традиций и поставили новые задачи перед искусством, но при этом оставили натуру главным действующим героем (однако задача стоит не столько в верной передаче природы, сколько самовыражение художника, т.е. выражение художественными средствами его чувств и настроений) . Такое "искусство выражения" принято называть искусством модернизма, оно не ставило своей целью точную передачу видимого мира. Художники -модернисты фактически поставили задачей поиск нового пластического языка, который вообще может не иметь ничего общего с натурой, или наоборот - открывать внутренние "секреты" натуры. Искусство модернизма отбросило старые, привычные традиции и тем самым породило многие проблемы и вызвало горячие споры. Одно из главных стремлений художников модернизма сводиться к подчеркнутому выражению своей индивидуальности, способность создать нечто своершенно новое и невиданное. Модернизм - не целостное художественное явление.Оно состоит из ряда течений, которые отличаются по своим целям и выразительным средствам и оказваются нередко прямо противоположными друг другу. Искусству модернизма свойственно одновременное существование различных течений и объединение художников в группировки с общими программами. Были художники, которые на протяжении своей жизни принадлежали к разным группировкам или создавали произведения в духе различных течений. Наиболее значительными модернистскими направлениями были фовизм, кубизм, футуризм, абстрактное искусство, дадаизм, сюрреализм, экспрессионизм. Особым шармом обладает примитивизм, хотя и не относится к авангардным течениям. Отдельно стоит упомянуть художников так называемой "Парижской школы" - ярких индивидуальностей, работающих в своих авторских стилях, но тем не менее, связанные с общими художественными процессами начала 20 века


абстрактное искусство,
дадаизм,
кубизм,
сюрреализм,
фовизм,
футуризм,
экспрессионизм

примитивизм
Парижская школа

2. Направления модернизма
Наибольшие изменения на протяжении 20 века пережила живопись и по ней обычно различают основные направления модернизма. Благодаря журналам, альбомам репродукций, международным выставкам новые течения вскоре становятся повсеместно известны и становятся интренациональными. Художники в начале 20 века настолько увлеклись поисками новых выразительных средств в искусстве, что редко когда оставались в рамках какого-либо одного открытия. Характерно, что часто они создавали манифесты-декларации о новых идеях в искусстве, следовали им и нарушали. Направления сменяются чрезвычайно быстро. Постоянные поиски, объединения по интересам и расхождения во мнениях о видени дальнейшего развития, новые объединения или самостоятельные открытия осложняют классификацию принадлежности к какому-то конкретному направлению. Скорее, можно сказать об определенном длительном периоде в творчестве художника, который соответсвует художественному течению. Лишь некоторых можно объявить "чистыми" представителями того или другого направления.

Фовизм считают первым в 20 веке течением модернизма . "Дикие" (les fauves)- группа художников в 1905-1908, сделавшие настоящий переворот в живописи. В 1906 году фовисты считались самыми современными художниками в Париже. Для них характерно позитивное восприятие жизни, где искусство должно воздействовать на эмоции с помощью формы и цвета - чистые и звучные цвета, сильные и размашистые мазки, порывистые пятна краски и смелые для своего времени искажения форм. Они хотели сделать видимыми для глаза такие вещи, которые на самом деле увидеть нельзя, например, чувства и настроения, которые возникают у художника при созерцании природы. Нет необходимости точной передачи деталей и верности цвета. Желтая речная вода, зеленые или синие стволы и ярко-красная крона деревьев - обычное дело в их картинах. Наиболее известные художники - Анри Матисс (1864-1954), Андре Дерен (1880-1954), Альбер Марке (1875-1947) и Морис де Вламинк (1876 -1958)..Анри Матисс ("король" диких):" ...Для меня важнее всего - выразительность... Я не делаю различия между моим ощущением жизни и тем, как я это выражаю...Главной задачей цвета должно быть содействие этому выражению - настолько хорошо, насколько это возможно". Сильное влияние на творчество фовистов оказал Поль Гоген.

Эксрессионизм
(expression - выражение) - подчеркнутое выражение душевных состояний, собственных чувств и настороений художника при взгляде на мир. Подобная концепция искуссва была столь революционной, что слово "эскпрессионизм" стало синонимом "современного" искусства уже в целом. Уже Ван Гог, а затем и фовисты стремились к сильной выразительности, но "экспрессионизм" наиболее ярко проявился в немецком искусстве (иногда производит угнетающее впечатление, так как немецкие художники не стремились к красоте, а концентрировались на содержании - отображении зла, уродства и несовершенства мира). Самым ярким олицетворением немецкого экспрессионизма стали две группы - "Мост" ("Die Bruke") и "Синий всадник" ("Der blaue Reiter"). Для выражения конфликтов, порывов чувств часто испольовали либо кричаще яркие краски, либо мрачные и грязные - цвет символичен, резкие и упрощенные гротескные формы, сознательно искаженные, беспокойные и небрежные движения кисти. Предшественником экспрессионизма можно считать (1863-1944), передающего смятение души перед лицом безразличного и непонимающего мира. Наиболее известные художники - экспрессионисты: Эрнст Людвиг Кирхнер (1880-1938), Эмиль Нольде (1867-1956), Оскар Кокошка (1886-1980), Эгон Шиле (1890-1918), Отто Дикс (1891-1969), Кете Кольвиц (1867-1945), Эрнст Барлах (1870-1938) - скульптор, Эрих Мендельсон (1887-1953) архитектор. Пауль Клее (1879-1940) -( его творчество с равным основанием можно отнести к экспрессионизму, кубизму, сюрреализму,абстракционизму - оно не принадлежало целиком ни к одному из них).

Кубизм -
один из самых знаменитых авангардных направлений 20 века. Истоками кубизма можно считать африканскую скульптуру и сезановскую идею упрощения предмотов до геометрических форм - шара, цилиндра, призмы, куба, началом "Авиньонские девицы" Пабло Пикассо, 1907 года. Мир, который создавали в своих картинах художники , был граненым и беспокойно угловатым - в насмешку их творчество называли "искусством кубиков". Создателями течения были Пабло Пикассо (1881-1973) и Жорж Брак (1882-1963). Ключевыми особенностями кубизма являются: изображение предметов с помощью моножества ракурсов и создание формы из разных плоскостей, которые словно проскальзывают, проходят одна сквозь другую, неприятие перспективы с одной точкой зрения, отказ от декоративности импрессионистов и постимпрессионистов - главное художник не должен следовать видимой реальности, но должен сам творить, сконструировать новую - разъединяя реальные предметы и существа на составные части и заново комбинируя в новом порядке. Главными выразительными средствами для кубистов были линии и плоскости, сдержаная, зачастую монохромная гамма, фрагментированная, квази-абстрактная композиция из взаимопроникающих плоскостей, полностью разрушая представление об изображении глубины. Круг изображаемых предметов весьма узок - портреты, здания, натюрморты. Разные ракурсы - сверху, сбоку, снизу , сзади - это скорее то, что мы знаем о предмете, чем то , что мы видим - это не изображение предмета, а намек, зритель же сам в своем воображении должен собрать его из отдельных "...фрагментов, которые дают возможность более точно понять предмет..." (Жорж Брак). В 1912 году в картине "Натюрморт с плетеным стулом" Пикассо использовал кусок клеенки, создав первый кубистический коллаж (от фр.coller - вклеивать) , что стало определенной вехой в современном искусстве - включать в работы фрагменты быта, взятых из "реального мира" (бумаги, газеты, обои и тп.). Игры с реальностью и вымыслом заставляют усомнится в существовании единственного определения реальности и открывают путь к созданию множества его интрепретаций. Они ставят превыше всего воображение художника и право искусства на собственное , отдельное, независимое от внешнего мира существование - красноречивое толкование весьма странного мира. "Эта странность заключается в том, что мы хотели заставитьлюдей думать об этом, поскольку сами видели, что наш мир становится очень странным и отнюдь не вселяющим надежду" (Пабло Пикассо). Последователей кубизма достаточно много и многие художники-авангардисты проходили этап кубизма - Хуан Грис (1887-1927), Фернан Леже (1885-1925), Робер Делоне (1885-1941), Надежда Ходасевич-Леже (1904-1982) и др.

Футуризм
(от ит.futuro - будущее) возник в Италии, где группе художников надоело бесконечное преклонение в их стране перед искусством прошлого, и они попыталиь создать новое искусство - "искусство будущего". Свои взгляды они изложили в футуристических манифествах, призывавших отвергнуть достижения прошлого и возвеличить тенику и промышленный дух нового времени (Томмазо Маринетти (1886-1944) поэт, основатель движения "Главными элементами нашей поэзии будут : храбрость, дерзость и бунт", "нет шедевров без агрессивности" , "ревущий автомобиль, несущийся как шрапнель, прекраснее Ники Самофракийской"). В 1910 году была подписана программа "Манифеста художников-футуристов. Примета времени - возросший темп жизни, передавался не только дорогами, параходами, стальными мостами и удивительными "летальными аппаратами", но и передачей движения, разложенное на моменты, наподобие киноленты (Джакомо Балла (1871-1958) "Динамизм собаки на поводке"). Некоторые художественные приемы ("ломанные" части предметов) для передачи движения и времени футуристы позаимствовали у кубистов (Джакомо Северини (1883-1966) серия "Скорость-Пейзаж", Умберто Боччони (1882-1916) "Атака Уланов")

Примитивизм. В 20 веке привлекло к себе внимание явление в искусстве, что раньше совсем не считалось искусством. Это творчество художников-любителей, или "художников выходного дня" - примитивистов, наивистов (наивное искусство).Первым представителем этого стиля в конце 19 века стал Анри Руссо (1844-1910), который посвятил себя живописи, выйдя на пенсию. Большая часть наивистов - это люди, живущие в маленьих городах или деревнях, лишенные возможности учиться живописи , но полные желания творить :Нико Пиросманашвлили (1862-1918), Алена Киш (1889-1949), Бабушка Мозес (1860-1962). Примитивизм (наивизм) включает в себя обдуманное (или естественное, ввиду отстутвия профессиональных знаний) упрощение картины, которое делает её формы примитивными, как творчество ребёнка или народного искусства. Многие профессиональные художники сознательно использовали приемы наивного искусства для усиления искренности

Абстрактное искусство - направление искусства, отказавшееся от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Главная задача - создание композиции на основе сочетаний определённых цветовых отношениях и геометрических форм или пятен - т.н. нефигуративное искусство. Первая абстрактная картина была написана Василием Кандинским в 1910 году. В 1911 году в Мюнхене Кандинский опубликовал ставшую знаменитой книгу «О духовном в искусстве», в которой размышлял о возможности воплощения внутренне необходимого, духовного в отличие от внешнего, случайного. Также к первым художникам абстракционистам со своими уникальными концепциями относят Казимира малевича и Пита Мондриана. В 1919 году Малевич издает теоретическую работу "О новых системах в искусстве". В декабре в 1919 в Москве открылась первая ретроспективная выставка художника «Казимир Малевич. Его путь от импрессионизма к супрематизму».Первые международные объединения художников-абстракционистов («Круг и Квадрат», «Абстракция-Творчество») сформировались в начале 1920-х — начале 1930-х годов в Париже. Особое место занимает русский авангард, где идеи абстрактного искусства активно развивались. Условно абстрактное искусство можно разделить на несколько направлений - геометрическая абстракция, тяготеющая к правильным геометрическим формам и устойчивым, «субстанциональным» состояниям (Пит Мондриан (1872-1944) (неопластицизм), Казимир Малевич (1879-1935) (супрематизм)), лирическая абстракция , предпочитающая более свободные формы, динамические процессы (Василий Кандинский (1866-1944), Франтишек Купка (1871-1957), абстрактный экспрессионизм -движениехудожников в США в середине 20 века, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций, целью художника при таком т методе является спонтанное выражение внутреннего мира (подсознания) в хаотических формах, не организованных логическим мышлением. (Джексон Поллок (1912-1956), Марк Тоби (1890-1976), Виллем де Кунинг (1904-1997), Марк Ротко (1903-1970) , Аршиль Горки (1904-1948)). К абстрактному искусству можно также отнести направление 60х годов - оп-арт - геометрические оптические иллюзии иллюзии восприятия плоских и пространственных объектов (Виктор Вазарели (1906-1997), Бриджит Райли (1931- ))
Так как абстрактное искуссто обращалось к универсальным формам первичных элементов живописного языка - цвет, линия, пятно, геометрия - и при этом, не становилось изобразительным (изображающим природу и среду человека), неизобразительные формы активно используются в промыщленном дизайне , художественном конструировании, архитектуре

Дадаизм - странное слово "дада" дало название одному из величайших вызов искусству (иногда дадаизм называют контркультурой и антикультурой) - это международное явление, затронувшее многие области человеческого существования, реакция на 1 мировую войну и ее последствия. Тактика дадаистов была осознанно вызывающей - они яростно атаковали общепринятые традиции искусства, философии и литературы. Термин "дада" появился в Цюрихе в 1916 году (скорее всего - это случайно выбранное слово из немецко-французского словаря, .хотя есть и более занимательные версии ( афр. "хвост священной коровы", фр. "лошадка -качалка", рум."да. да." и др.) Дадаизм - это прежде всего представления -мероприятия с пением, музыкой, декламацией стихов, куклами и пр. , где важными составляющими были хаос, путаница и абсурд."Дадаисты не представляют собой ничего, ничего, ничего, несомненно, они не достигнут ничего, ничего, ничего" - говорили сами участники. Но в этом безумии была своя система. "Поскольку очевидно, что ни искусство, ни политика, ни религиозная вера не в состоянии сдержать этот стремительный поток, остается только пускать пыль в глаза и позерствовать из последних сил" (Хуго Балль (1886-1927). У истоков стояли Тристан Тцара (1896-1963), Ханс Арп (1886-1966), Софи Тауберг (1889-1943). До совершенства эту тактику дадаисты довели в Нью-Йорке: французы Марсель Дюшан (1887-1968) и Франсис Пикабиа (1879-1977), американцы Мортон Шамберг (1891-1918), и Ман Рэй (1890-1977) - в их работах слиты онсовополагающие для дадаизма агрессия, юмор и отстутсвие почтения к авторитетам. Дюшан давал имена промышленным изделиям, называя это искусством "ready-made" - "готовых предметов". Он утверждал, что его выбор никогда не был продиктован вкусом, но основывался на реакции "визуальной индифферентности" ("Фонтан" 1918). Практика изъятия предметов из их привычного контекста и провозглашения их искусством коренным образом изменила традиционные для визуального искусства представления. Понимание искусства как идеи, утверждение, что искусство можно сделать из ничего, отказ принимать на веру общественную и художенственную мораль - безвозратно изменили искусство.

Сюрреализм." Красиво то, что изумляет" (Андре Бретон, "Что такое сюрреализм", 1934). Термин в 1917 году придумал Гийом Апполинер для описания того, что выходит за пределы реальности (от франц. surrealite - сверхреальный, сверхъестественный). в 1924 году Андре Бретон (1896-1966) использовал его в "Первом манифесте сюрреализма" для обозначения нового направления - "выражения мысли без какого-либо контроля со стороны разума, вне каких-либо эстетических или нравственных соображений". Стал самым популярным направлением модернизма.Часто сюрреализм связывают со всем удивительным, фантастичным, оторванным от реальности и более чем странным. Наибольшее интеллектуальное влияние оказал Фрейд. Подсознание, сон и другие ключевые понятия повлияли на тематику не только картин. Странные сопоставления, причудливые , словно навеянные во сне образы нашли свое воплощение в самых разных сферах искусства - от фильмов до моделей высокой моды, от рекламы до прикладного искусства. Джорджо ди Кирико (1888-1978), Макс Эрнст (1891-1976), Хоан Миро (1893-1983), Ив Танги (1900-1955), Тристан Тцара (), Сальвадор Дали (1904-1989), Луис Бюнюэль (1900-1983), Альберто Джакометти (1901-1966), Рене Магритт (1898-1967).

Темы для докладов (презентаций):

Произведение любого представителя модернизма - идеи, задачи, воплощение, реакция публики.


Анри Матисс
Андре Дерен
Альбер Марке
Морис де Вламинк

Эвдард Мунк
Эрнст Людвиг Кирхнер
Эмиль Нольде
Оскар Кокошка
Эгон Шиле
Отто Дикс
Кете Кольвиц
Эрнст Барлах
Эрих Мендельсон
Пауль Клее

Пабло Пикассо
Жорж Брак
Хуан Грис
Фернан Леже
Робер Делоне
Надежда Ходасевич-Леже

Джакомо Балла
Джакомо Северини

Умберто Боччони

Анри Руссо
Нико Пиросманашвлили
Алена Киш
Бабушка Мозес

Пит Мондриан
Казимир Малевич

Василий Кандинский
Франтишек Купка


Хуго Балль
Тристан Тцара
Ханс Арп
Софи Тауберг

Марсель Дюшан
Франсис Пикабиа

Мортон Шамберг
Ман Рэй

Джорджо ди Кирико
Макс Эрнст
Хоан Миро
Ив Танги
Тристан Тцара
Сальвадор Дали
Луис Бюнюэль
Альберто Джакометти
Рене Магритт

3. Парижская школа
Выражение "Парижская школа" (Ecole de Paris) означает не какой-то определенный стиль, школу или направление - им принято называть группу художников, как французских , так и иностранных, приехавших из других стран в Париж работать в первой половине 20 века. По сути, Париж до второй мировой войны был центром художественного мира и символом культурного интернационализма, и в какой-то мере к парижской школе можно отнести любых художников, которые так или иначе были связяны с направлениями модернизма, возникшими в Париже - от фовизма до сюрреализма. Париж привлекал по многим причинам - относительная экономическая стабильность, отстутсвие политических репрессий, широкое галерейное пространство с артдилерами, критиками и коллекционерами и, безусловно, тем, что там жили и работали великие мастера современного искусства - Пикассо, Брак, Матисс, Леже и др. Важными элементами Парижской школы были обмен идеями и разнообразие стилей. К ней часто относят творцов, не подходивших ни под какие - другие определения : Константин Бранкузи (1876-1957), Александр Архипенко (1887-1964), Амадео Модильяни (1881-1920), Морис Утрилло (1885-1955) и др., а также евреи белорусского происхождения - Хаим Сутин (1894 - 1943), Марк Шагал (1887-1985), Осип Цадкин (1890-1967), Михаил Кикоин (1892-1968), Пинхус Кремень (1890-1981), Осип Любич (1896-1990), Файбиша-Шрага (Сэм) Цафрин (1899- 1975), Надя Ходасевич-Леже (1904-1982) . Большинство из них работали в "Улейе"- легендарном 8- угольном доме с мастерскими для художников.

Константин Бранкузи ,
Александр Архипенко ,
Амадео Модильяни,
Морис Утрилло ,
Хаим Сутин,
Марк Шагал ,
Осип Цадкин ,
Михаил Кикоин ,
Пинхус Кремень ,
Осип Любич ,
Файбиша-Шрага (Сэм) Цафрин ,
Надя Ходасевич-Леже

4. Русский авангард
(из курса "Русский авангард" Арзамас www.arzamas.academy)
"Термин «авангард» для нас совершенно привычен, но в 1910-е годы он не был в ходу. Тогда чаще употреблялись слова, которые подчеркивали либо оппозиционность искусства — «левые художники», либо новизну искусства, его временной вектор — «будущники», «будетляне», «футуристы». Слово «футуристы» было главным, потому что оно интернациональное: были, например, и итальянские футуристы, их лидер Маринетти приезжал в Россию. А после революции термин «футуризм» стал распространяться на всех левых художников, и, например, критик Абрам Эфрос писал: «Футуризм стал официальным искусством новой России», имея в виду весь авангард...Авангард — это разнообразие языков и концепций: и индивидуальных, и коллективных. Чья-то индивидуальная стилистика очень часто становится групповой, у крупных фигур есть адепты, ученики...Это совершенно новый тип поведения — вызывающий, нарочито грубый. Своего рода поэтика хамства, «маяковская» интонация — оскаленное «вам» и «нате». Конечно, в первую очередь принято эпатировать буржуа, чей вкус, чье отношение к искусству и вообще жизненные принципы заслуживают лишь пощечин...Глава итальянских футуристов Маринетти говорил, что художнику необходим враг — манифесты итальянского футуризма и выдержаны в терминах войны. Историю русского авангарда тоже можно представить как историю ссор и взаимных подозрений. Владимир Татлин (1914-1953) даже днем плотно занавешивает окна своей мастерской, потому что ему кажется, что Малевич подглядывает и крадет идеи. Паранойя, конечно, но характерная. Ольга Розанова (1866- 1918) обвиняет Малевича в плагиате; она пишет: «Весь супрематизм — это целиком мои наклейки, сочетание плоскостей, линий, дисков (особенно дисков) и абсолютно без присоединения реальных предметов, и после этого вся эта сволочь скрывает мое имя»... В начале 20-х годов Кандинский инициирует создание Инхука — московского Института художественной культуры, и совсем вскоре группа конструктивистов во главе с Александром Родченко оттуда его изгоняет. То же самое было в Витебске: Марк Шагал приглашает туда Эль Лисицкого (1890-1941), тот приглашает Казимира Малевича (1879-1935), после чего Шагалу приходится Витебск покинуть... Авангард — время манифестов и деклараций. Художники пишут их, пытаясь объяснить свое искусство и обосновать свое главенство и в конечном счете свою власть. ... В 1915 году Альберт Эйнштейн публикует свою общую теорию относительности, с которой начинается эра тотального релятивизма; теперь ничто уже не является окончательно достоверным и безусловно истинным. И художник уже даже не говорит «я так вижу» — он обретает право сказать «я так хочу». ...Несмотря на многообразие концепций, в авангарде можно выделить два главных вектора, которые не столько отрицают, сколько дополняют друг друга. Например, вектор Малевича — мироустроительный: речь идет уже не о преобразовании искусства, но о преобразовании мира через форму и цвет. Малевич — безусловный харизматик и великий стратег, он подходит к своей деятельности как человек демиургической воли — с намерением изменить все. Другой вариант - органический авангард -ненасильственный, призывающий не менять природу, а прислушаться к ней: у Матюшина, Филонова, отчасти у Татлина. Татлин, считающийся родоначальником русского конструктивизма, вслушивается в голос материала, дорожит им... Существует легенда о том, как Татлин выбил стул, на котором сидел Малевич, предложив ему посидеть на абстрактных категориях формы и цвета...Первые авангардные открытия были сделаны не в России, а на Западе. Напри¬мер, французский фовизм Анри Матисса, Андре Дерена и других и ранний ку¬бизм Пикассо и Брака выходят на арену почти одновременно — в 1905–1906 го¬дах; тогда же оформилось первое объединение немецких экспрессионистов — группа «Мост».
... О Василии Кандинском ( 1866-1944) стоит сказать отдельно. Он — пионер беспредметности: первой абстрактной картиной считается его «Картина с кругом» 1911 года. Свои абстракции он делит на импрессии, импровизации и композиции; первые вдохновлены впечатлениями от реальности, во вторых выплескивается бессознательное, а композиции — это вещи продуманные, срежиссированные. Примерно в том же направлении исследовал природу цвета Михаил Матюшин (1861-1934). С Матюшина, по сути, начинается русский авангард. Именно он организовал петербургский «Союз молодежи», зарегистрированный в феврале 1910 года (знаменитая выставка «Бубновый валет» откроется только в декабре того же года).... органическая концепция Матюшина связана с верой в то, что искусство может стать способом выхода в четвертое измерение. Для этого требуется приобрести навыки расширенного смотрения — научиться видеть не только глазами, но всем телом. Матюшин исследует при¬роду зрения одновременно как символист и как биолог-систематик. Итогом этих исследований станет «Справочник по цвету», который выйдет в 1932 го¬ду — в совсем уже неподходящее для этого время. Матюшин явился инициатором еще одного важного авангардистского предприятия — постановки оперы «Победа над Солнцем», осуществленной в 1913 году. Малевич сделал декорации, где впервые появился мотив черного квадрата. По сюжету будетляне завоевывают Солнце — и как раз черным квадратом оно и оказы¬вается побеждено. Позднее, в 1920 году, оперу попытается поставить в Витебске последователь Малевича Эль Лисицкий. В его постановке главный сюжет оперы о победе машинного над природным будет подан совсем прямо: вместо актеров там будут действовать механизмы — так называемые фигурины, при¬водимые в движение электричеством.
Идеи аванграрда лучше передаются не столько манифестами, сколько эффектными выставками. Первая такая выставка — «Бубновый валет» 1910 года. Название, придуманное Михаилом Ларионовым (1881-1964), отсылало к целому набору низовых ассоциаций: и к карточному шулерству, и к уголовной эмблематике....Абсолютно шокирующей и провокативной была представленная на выставке огромная картина Машкова, где он изобразил себя и своего друга Кончаловского в виде полуголых борцов или гиревиков-атлетов.... Следующая выставка после «валетов» — «Ослиный хвост» 1912 года; название отсылает к недавнему скандалу в Париже, когда группа эпатажных художников выставила картину, якобы написанную хвостом осла. И на «Ослином хвосте» выставляются вещи из солдатского и турецкого циклов самого Ларионова, серия «Евангелисты» Натальи Гончаровой (1881-1962), которая была снята цензурой, ее же «крестьянские» работы, живопись из крестьянского цикла Малевича и многое другое. Выставку «Мишень» 1913 года сопровождает манифест «Лучисты и будущники». ...Супрематизм как стиль у Малевича сложился в 1915 году и был представлен в декабре на выставке «0,10». В названии выставки ноль — это конец искусства, объявленный супрематизмом «нуль форм», символом которого стал «Черный квадрат», а десять — количество предполагаемых участников, на самом деле их было больше. Супрематизм — это геометрическая абстракция; геометрия для Малевича — это метафора тотальности. Весь мир сведен к геометрическим знакам — и больше в нем ничего нет. В 1919-м Малевич устраивает свою персональную выставку — итоговую: от самых ранних вещей, еще импрессионистических, до последних — супрематических, а несохранившиеся работы пишет заново. И завершает вы¬ставку рядом пустых холстов на подрамниках. То есть живопись завершена. Супрематизм есть ее высшая точка, которая отменяет все дальнейшее. В 1920 году в Витебске Малевич создает общество Уновис, где все адепты пишут так же, как их гуру, и на их выставках под супрематическими картинами нет имен — предполагается, что это творчество анонимное и коллективное. Нет места индивидуальному художественному волеизъявлению, есть только утверждение системы, которая претендует на всеобщность, на то, чтобы быть окончательным переучетом всего в мире и последним словом о нем. Потому что «Супремус» — это «высший». Это последнее слово и, можно сказать, высшая мера...При этом этот универсальный язык годится для проектов будущего. И Малевич, и его ученики — Чашник, Суетин, Хидекель — придумывают архитектуру, основанную на супрематических формах. Они делают из гипса архитектоны и чертят планиты — модели жилищ для землянитов, людей грядущего космоса. Вообще, идея производственного, промышленного искусства в 20-е годы сделается оправданием авангардного формотворчества . Александр Родченко (1891-1956) — из самых продуктивных авангардистов второго поколения и из самых последовательных «производственников». Расцвет его деятельности приходится на послереволюционные годы .Русский авангард рождает концепцию производственного искусства. Она отчасти воспроизводит утопию модерна — преобразовать мир, создав новые формы всего того, с чем человек сталкивается каждый день, спасти человека правильной красотой. Все должно быть современным и прогрессивным — от одежды до посуды. И художество в этом случае оправдывает свое существование: оно прикладное, даже полезное. Супрематические и конструктивистские ткани, фарфор, одежда, типографика, книга, плакат и фотография — всем этим занимаются теперь художники-авангардисты. Это Любовь Попова (1889-1924), Варвара Степанова (1894-1958), Александр Родченко, Эль Лисицкий, Владимир Татлин и многие другие..."
В 1932 году все художественные течения и группировки были распущены, вместо них было организовано единое объединение - союз художников с единственно верным стилем - соцреализм.


Михаил Матюшин,
Владимир Татлин
,
Казимир Малевич,
Эль Лисицкий,
Александр Родченко,
Василий Кандинский,
Ольга Розанова,
Варвара Степанова,
Любовь Попова,
Наталья Гончарова

5. Середина – 2 пол. 20 века – постмодерн, постмодернизм
Постмодерн - понятие условное (состояние после модерна (нового)), определяет послевоенный период - 2 половину 20 века. Эта эпоха отличается всемирным масштабом и утратой европейским регионом доминирующих позиций как в экономике и политике, так и искусстве. Это время резкого роста культурного и социального многообразия.
Европейские художники из-за Второй мировой войны вынуждены были переехать в США и оказали сильное влияние на молодых американских художников. Нью-Йорк, соперничая с Лондоном и Парижем, становится международной столицей творчества и торговли искусством. Современное искусство придумывало все новые техники и образы, открытия практически не прекращаются. Именно в Нью-Йорке открываются самые крупные музеи, посвященные искусству 20 века (например, Музей Гуггенхейма, построенный по проекут Ф.Л.Райта). Пока Европа приходила в себя после войны, в США происходит невероятный экономический подъем, формируя новое "общество потребления". Плюрализм в искусстве - от абстрактного направления до поп-арта и граффити, охватывает фактически все слои общества - от высокообразованной элиты до безграмотных жителей гетто. Несмотря на разнообразие, можно выделить общую черту направлений постмодерна - близость к проблемам социума, в отличие от модернизма, где главной задачей все-таки был поиск новых выразительных средств в искусстве. Постмодернизм - понятие более конкретное и отностится к последним десятилетиям 20 века и началу 21. Первоначально он относился к архитектуре, где отказались от чистых рациоанальных форм и начали использовать приемы игровой модели, комбинируя различные конструкции и исторические стили, появилась своебразная "цитатность". Постмодернизм предлагает свободное осмысление исторического наследия и творчество на основе переработки достижений или создания абсолютно нового.

(из книги Эми Демпси "Стили, школы, направления -путеводитель по современному искусству", Москва, Искуссвто -21 век, 2008)
Абстрактный экспрессионизм
Несмотря на то, что термин «абстрактный экспрессионизм» изначально использовался для определения ранних абстракций В. Кандинского, в 1940-1950-е годы он возник снова и используется по отношению к группе американских или живущих в США художников: Виллему де Кунингу (1094-1997), Аршилу Горки (1904-1948), Марку Ротко (1903-1970), Джексону Поллоку (1912-1956) и др. Как и экспрессионисты, они считали, что подлинным предметом искусства являются внутренние переживания человека, его смятение, отчаяние, как абстракционисты, для передачи этого они использовали весь арсенал основных выразительных средств живописи – цвета, формы, фактуры, действия. Это лишь один из терминов - так как часто творчество этих художников определяли как "нью-йорская школа", "американская живопись", "живопись действия" , "живопись цветового поля" и т.д.

Поп-арт
Интерес к массовой культуре и попытка сформировать на этой почве новое искусство активно появился в начале 50х годов.
Ричард Гамильтон
(1922- 2011) — английский художник, чей коллаж «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956), сделанной на основе американских рекламных журналов для выставки "Это - завтрашний день", и которая считается первой иконографической работой в стиле поп-арт.— определил стиль следующими словами: "популярный, недолговечный, преходящий, дешевый, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, шуточный, шикарный и Большой Бизнес". В Америке поп-арт заявил себя серией выставок в 1961-62 годах, где публика впервые увидела работу, которая с тех пор стала знаменитой во всем мире: сделанные Энди Уорхолом (1928-1987) в технике шелкографии портреты Мэрилин Монро, их дополнили комиксы Роя Лихтенштейна (1923-1997) в формате традиционной живописи, огромные виниловые гамбургеры и рожки мороженого Класа Олденбурга (р.1997) и обнаженные Тома Вессельмана (1931-2004) в домашней обстановке с реальными занавесками, телефонами и ванными комнатами. Новое искусство особенно хорошо приняли в Лос-Анджелесе, где отсутствовала серьезная художественная традиция, но было много молодых богатых жителей, страстно желавших коллекционировать современное искусство. Сначала поп-арт называли "новым реализмом", так как они представляли массовую культуру в "рекламной обработке", иногда, по тем же причинам - "анти-искусством". С помощью многочисленных галерей и музейных выставок , поп-сюжеты (комиксы, продукты потребления, знаменитости, реклама и др.) и поп-темы (превознесение «низкого» искусства, все, относящееся к культуре и быту Америки, мифы и реальность «американской мечты») быстро распознали и приняли как в Америке, так и Европе. А так как поп-арт возник благодаря массовой культуре и торговой рекламе, он легко вернулся в коммерческий дизайн, промышленную продукцию, моду и интерьер. Поп-арт быстро вышел из границ только изобразительного искусства и стал олицетворять культуру 60-70 х годов (музыку, литературу и пр.). Со временем популярность поп-арта несколько упала, внимание художественного мира вскоре переключилось на другие направления, такие как оп-арт, концептуализм и гиперреализм.

Кинетическое искусство
Кинетическое искусство – это искусство, которое движется или кажется таким (как самостоятельно, так и благодаря иллюзиям ,оптическим или при передвижении источника света или зрителя).Многие художники экспериментировали с движением уже в начале века («Башня 3 Интернационала» Татлина, «Велосипедное колесо» Дюшана), однако плотно с кинетикой стал заниматься Александр Колдер (1898-1976). В 1926 году создал композицию «Цирк», которым хотел удивить парижских авангардистов. Основополагающей для направления стала выставка «Движение» в 1955 году в Париже. Там были представлены работы Колдера, Дюшана и многих других ((Жан Тэнгли (1925-1991), и др.), а в 1961 году на основе работвыставки был организован музей «Движение в искусстве». Кинетическое искусство разнообразно – от двигающихся объектов Тео Янсена (р.1945) до лед-инсталляций Тацуо Миядзима (р.1957).

Оп-арт
Оп-арт (сокр. от оптического искусства) использует обман зрения как оптический феномен, чтобы нарушить обычный процесс восприятия.
Составленная из четких геометрических узоров в черном и белом цвете или сочетаний очень интенсивных цветов живопись оп-арта вибрирует и мерцает, создавая различные зрительные эффекты – от иллюзии движения до появления изображений. Ричард Анушкевич (р. 1930), Майкл Киднер (р. 1917 -2009), Бриджет Райли (р. 1931), Виктор Вазарели (1908-1997)

Гиперреализм
"Я хочу иметь дело с изображением, зафиксированным фотокамерой, - двухмерным и полным подробностей" Чак Клоуз, 1976.
Гиперреализм, (он же "суперреализм", "фотореализм", "резкофокусный реализм" и т.д.), направление, возникшее в 70е годы 20 века,и, в большинстве своем, копировавшее фотографии или создававшее слепки с тел, обратилось к предметно-изобразительной живописи и скульптуре
не случайно - натуралистичный, беспристрастный подход к изображению роднил его с другими направлениями - поп-артом и минимализмом. Для него характерно "прецизионисткое" исполнение, фактически научный подход в точности передачи объекта. Важная деталь гиперреализма в том, что художник не пишет образ реальности, а создает образ образа (фотографии), т.е. создает двойную иллюзию- опять же - воспринимает опосредованную реальность и воспроизводит ее, тем самым фактически иллюстрируя современный мир, где фактически вся информация, получаемая человеком, является опосредованной. Крупнейшие представители - Ричард Эстес (р. 1936), Чак Клоуз (р. 1940), Герхард Рихтер ( р. 1932), Хансон Дуэйн (1925-1996)

Лэнд-арт
"Почему бы не вынести творчество наружу...?" Роберт Моррис , 1964.
Лэнд-арт (искусство земли) - расширяет границы искусства как месторасположением, так и материалами. В качестве материала лэнд-арт выбирает природную среду. Роберт Смитсон (1938-1973), Нэнси Холт (р.1938), Христо и Жанна-Клод (оба -р. 1935), Ричард Лонг (р.1945), Роберт Моррис (р. 1931)

Боди-арт
Боди-арт - искусство, которое использует тело, прежде всего тело самого художника, в качестве средства выражения.
С конца 1960-х годов это одна из самых популярных и спорных форм искусства, распространившаяся по всему миру. Тело становится мощным средством для исследования целого ряда проблем, в том числе идентичности, пола, сексуальности, болезни, смерти и насилия . Роль художника может быть различной - и как произведение искусства, и как социального и политического комментатора. Джон Копланс (1920-2003), Марина Абрамович (р.1946), Синди Шерман (1954), Брюс Науман (р. 1941)

Перфоманс
"Современному молодому художнику не нужно больше говорить : "живописец", или "поэт", или "танцор". Он просто "художник" , Аллен Капроу, 1958
Перфоманс был важной составляющей многих авангардных школ и движений 20 века. В послевоенные годы американский композитор Джон Кейдж (1912-1992), пианист Дэвид Тюдор (1926-1996) и хореограф и танцор Мерс Каннингем (р.1919) сообща работают над проектами перфомансов. Характерные черты перфоманса (или хэппенинга, "спектакля-действия")- атака на чувства при помощи синтеза различных средств выражения и дисциплин, сотрудничество артистов разного рода. Часто перфоманс может принимать форму боди-арта и длиться от нескольких минут до недель. Аллан Капроу (1926-2006) в 1965 объяснил свою эволюцию от коллажа к энвайронменту и хеппенингам тем, что работы его разрастались в пространстве и включали все больше элементов, произведения расширялись, пока не заполнили галерею, создав окружающую среду для зрителей. Первая работа такого рода, названная 18 Happenings in 6 parts («18 хеппенингов в 6 частях») была представлена в октябре 1959 - от названия этого перформанса и произошел термин «хеппенинг». Хеппенинг, по идее Капроу, является театральной постановкой, которая отказывается от структуры сцена-аудитория, как и от сюжетности традиционного театра.Ив Кляйн (1928-1962), Яёи Кусама (р.1929), Олег Кулик (р. 1961)

Концептуализм
"Быть сегодня художником - значит спорить с природой искусства", Джозеф Кошут, 1969.
Как направление появилось в конце 60-начале 70х гг. 20 века. Часто называют "искусством идеи" или "информационным искусством". Основной принцип концептуализма состоит в том, что подлинное произведение искусства создают идеи или концепции. Концептуальное искусство в своих самых крайних проявлениях полностью отказывается от физического объекта, используя для передачи идеи вербальное или письменное сообщение. Основное влияние на концептуализм оказали творчество и идеи Марселя Дюшана (он впервые засомневался в верности существующих критериев искусства и включал зрителя - его интеллекта, органов чувств и тела - в процесс создания и восприятия искусства, а также поставил идею выше традиционных понятий стиля и красоты). Сол Левитт (1928-2007) писал, что концептуальное искусство "создано для того, чтобы завладеть скорее разумом зрителя, чем его глазами и эмоциями...идея сама по себе, даже не воплощенная зримо, является таким же произведением искусства, как и любой законченный продукт...идею, которая лучше выражается в двух измерениях, не следует выражать в трех. Идеи могут выражаться числами, фотографиями, словами и ещё как-нибудь — так, как вздумается художнику, поскольку форма не имеет значения ". По мнению Джозефа Кошута (р.1945) главная задача художника - обнаружить и дать определение природы и языка искусства . Яркий представитель европейского концептуализма - Йозеф Бойс (1921-1986), Ханс Хааке (р. 1936)

Минимализм
Минимализм как направление привлек к себе внимание в начале 60х. Часто его называют "искусством первичных структур", "искусство АВС", "хладнокровное искусство". Минимализм вовсе не означает упрощенное или лишенное художественного содержания искусство. Название появилось из-за интереса к творчеству русских авангардистов, особенно Казимира Малевича, где "Черный квадрат" стал символом нового искусства - не-утилитарного и не-изобразительного. Популярность минимализм получил после крупной выставки"Первичные структуры: молодые американские и британские скульпторы" в 1966. Хорошую характеристику дал Дональд Джадд (1928-1994):" В сущности, реальное пространство более убедительно и определенно, чем изображение на холсте...Новое произведение искусства, безусловно, внешне более похоже на скульптуру, чем на то, что создает живопись, но оно ближе к живописи...В отличие от скульптуры, здесь важен цвет". Произведения не подходят под существующие категории живописи или скульптуры, но сочетают элементы обоих. Джадд называл их "специфическими объектами". Простые, по сути, конструкции, рождают множество сложных толкований. "Простоту формы вовсе не обязательно отождествлять с простотой впечатления" Роберт Моррис (р.1931). Дэн Флавин (1933-1996) исследовал темы, связанные с пространством и светом. Карл Андре (р.1935) интересовался вопросом модульности, эксперементировал с различными цветами, массами и материалами и из взаимоотношений с человеческим телом. В последние годы термин "минимализм" часто используюь по отношению к дизайнерам интерьера и мебели, графическим дизайнерам и модельерам, чьим работам свойственны чистота и строгость линий и рациональный декор, что, как ни пародоксально, производит впечатление эксклюзивности и роскоши. Формально, в архитектуре не существует минималисткой школы, однако многие архитекторы-модернисты стремились в своих проектах к чистоте и строгости стиля, который смело можно назвать минимализмом (Людвиг Мис ван дер Роэ сформулировал этот принцип как "меньше- значит больше")

Инсталляция и ассамбляж
Истоки искусства инсталляции лежат в начале 60х годов и имеют отношение к ассамбляжу ("все формы комбинированного искусства и способы их составления", Уильям Ч.Зейц) и хэппенингу. Главная особенность - картины-сцены связаны с окружающим пространством и делают зрителя частью произведения искусства, требуя от зрителя определенной активности для того, чтобы понять (увидеть) работу. Инсталляция может быть связана с определенным местом или предназначаться для различных помещений (т.е. быть мобильной). Илья Кабаков (р. 1933), Барбара Крюгер (р.1945), Мона Хатум (р. 1952), Маурицио Каттелана (р.1960), клод Симар (р. 1956) и др. На рубеже 20-21 веков инталляция становится едва ли не главным видом искусства. Множество художников создают работы, которые можно было бы охарактеризовать как инсталляция. Термин "инсталляция" стал общепринятым.

Видео-арт
"Как техника коллажа замеенила масляную живопись, так и электронно-лучевая трубка заменит холст", Нам Джун Пайк.
С 1959 года в инсталляции активно включали телевидение., но рождение видео-арта можно отнести к 1965 году, когда Нам Джун Пайк (р.1932) приобрел новую портатинвую ручную видеокамеру Sony. Многие технологии и спецэффекты были изобретены такими художниками как Пайк и Дэн Сандин (р.1942). В 1973 году Сандин сконструировал "Sandin Image Processor", который с помощью электроники изменял видеоизображения и исследовал динамику света. Благодаря гибкости средств выражения и ощущения интимности при обращении к чисто женским промблемам видеоарт привлек многих художниц -женщин Дара Бирнбаум (р. 1946), Мэтью Барни (р. 1967) исследовал проблемы мужчины, его характерные особенности и желания. С 1980 в крупнейших музеях и университетах открылись отделы видео-арта и новых средств выражения. Особое направление видео-арта - мэппинг

Темы для докладов (презентаций):
Произведение любого представителя постмодерна (изма) - идеи, задачи, воплощение, реакция публики.


Абстрактный экспрессионизм
Поп-арт
Кинетическое искусство
Оп-арт
Гиперреализм
Лэнд-арт
Боди-арт
Перфоманс
Концептуализм
Минимализм
Инсталляция и ассамбляж
Видео-арт

 

Виллем де Кунинг,
Аршил Горки,
Марк Ротко
Джексон Поллок

Ричард Гамильтон,
Энди Уорхол
РойЛихтенштейн

Клас Олденбург,
Том Вессельман

Александр Колдер,
Жан Тэнгли ,
Тео Янсен,
Тацуо Миядзима

Ричард Анушкевич,
Майкл Киднер ,
Бриджет Райли,
Виктор Вазарели

Ричард Эстес ,
Чак Клоуз ,
Герхард Рихтер ,
Хансон Дуэйн

Роберт Смитсон ,
Нэнси Холт ,
Христо и Жанна-Клод ,
Ричард Лонг

Джон Копланс ,
Марина Абрамович,
Синди Шерман,
Брюс Науман

Аллан Капроу ,
Ив Кляйн ,
Яёи Кусама ,
Олег Кулик

Сол Левитт,
Джозеф Кошут
,
Йозеф Бойс ,
Ханс Хааке

Дональд Джадд,
Роберт Моррис,
Дэн Флавин,
Карл Андре

Илья Кабаков ,
Барбара Крюгер ,
Мона Хатум ,
Маурицио Каттелана ,

Нам Джун Пайк,
Пайк и Дэн Сандин,
Дара Бирнбаум,
Мэтью Барни

6 .Искусство конца 20в.- нач. 21. Актуальное искусство
Искусство последних десятелетий 20 века и начала 21 отличается большей политизацией и социализацией. Так, активно развивается направление граффити (Жан Мишель Баскиа (1960-1988) , Бэнкси (р.? ) и перерастает в стрит-арт, расространяется "бедное искусство" - арте-повера (Микеланджело Пистолетто (р.1933), появляется понятие "актуальное искусство" (Ай Вэйвэй (р.1957)) - т.е., то , что реагирует на современные проблемы общества и выражает это в различных формах искусства - как уже устоявшихся формах модернизма и постмодерна, так и новаторских. Для конца 20 века характерно развитие коммерческого искусства - того, которое требует как инвестиций при создании, так и приносящих коммерческую прибыль после реализации, а также обращение к истории искусства - эффект повторения и его "перепрочтение"- своеобразный постмодернизм (Фрэнсис Бэкон (1909-1992) обращается к "перепрочтению" еще в 50х годах, является представителем "новой фигуративности" , экзистенциализма), Аниш Капур (р.1954 (новая британская скульптура, неоэкспрессионизм)). Идет четкое разделение на искусство "салонное" (созданное для украшения квартир и домов, возможно, даже в современных техниках и стилях, но не стремящееся отвечать на какие-либо вопросы, существующее скорее как "цветовое пятно" в интрерьере) и собственно искусство -современное (contemporary) и актуальное (actual) . В связи с развитием техники и удешевлением материала и возможности тиражирования, искусство становится доступным массам, поэтому часто "говорит" на языке "масс", превращаясь в китч-иронию (произведение воспринимается легко и без каких-либо интеллектуальных усилий со стороны зрителя, подменяя красоту красивостью, культивируя праздность, своеобразная фальсификация искусства) (Джефф Кунс (р.1955) или нео-поп (Дэмьян Херст (р.1965, "Молодые Британские Художники - YBA , "новая реальность")).Вим Дельвуа (р.1965 ) ).

Граффити, стрит- арт
(из Википедии)-
изображения или надписи, выцарапанные, написанные или нарисованные краской или чернилами на стенах и других поверхностях. К граффити можно отнести любой вид уличного раскрашивания стен, на которых можно найти всё: от просто написанных слов до изысканных рисунков. В 20 веке изначально появились как надписи политических возваний, так и обозначения территории преступных групп в негритянских гетто (Гарлем).Нью-Йорк стал центром граффити, средства массовой информации обратили внимание на это новое культурное явление - первым райтером, которому была посвящена газетная статья, стал TAKI 183, который, будучи курьером,оставлял свои теги повсеместно. Соперничество райтеров стимулировало появление новых стилей в граффити. Художники усложняли сам рисунок, стремясь сделать его оригинальным, но кроме этого они стали заметно увеличивать размеры букв, толщину линий и использовать контур для букв. Это привело к созданию в 1972 году больших рисунков, так называемых «masterpieces» или «кусков».В 1979 году арт-дилер Клаудио Бруни предоставил граффити-художникам Ли Киньонесу и Fab 5 Freddy галерею в Риме. Видеоклип «Rapture» группы Blondie в 1981 году. , в котором также появляется Жан-Мишель Баския, известный своими SAMO граффити, впервые демонстрирует зрителям элементы граффити и хип-хоп культуры. Фильм «Войны стилей» наиболее точно отобразил то, что происходило в хип-хоп культуре в начале 1980-х . В 2001 году компьютерный гигант IBM запустил рекламную кампанию в Чикаго и Сан-Франциско, в которой были показаны люди, рисующие аэрозольной краской на тротуарах символ мира, сердце и пингвина (Пингвин — талисман Linux).Но, наверное, самым выдающимся примером того, как граффити проникло в поп-культуру, является французская команда 123Klan. Команду 123Klan основали в 1989 году Scien и Klor. Постепенно они обратились к иллюстрированию и дизайну, продолжая одновременно практиковать граффити. В результате они стали разрабатывать дизайн, логотипы, иллюстрации, обувь и одежду для компаний Nike, Adidas, Lamborghini, Coca Cola, Stussy, Sony, Nasdaq и других. «Выход через сувенирную лавку» —фильм Бэнкси про «уличных» художников, в том числе и про самого Бэнкси. Фильм был номинирован Американской киноакадемией на премию «Оскар» 2011 года в категории «Лучший документальный полнометражный фильм».

Арте-повера
Название содержит в сеебе намек на "простые" (или "бедные"), нетипичные для искусства материалы, использовавшиеся художниками в своих инсталляциях, ассамбляжах и перфоманса. Термин не нужно понимать буквально, поскольку многие средства не были дешевыми. Художники не были выходцами из бедных районов и не отражали жизнь бедняков - их, прежде всего, интересовал вопрос морального оскудения общества, стремящееся к накоплению материальных ценностей. (Микеланджело Пистолетто)

Актуальное искусство
Искусство, прежде всего отражающее проблемы современного общества (Ай Вэйвэй).

Постмодернизм
Условное понятие, достаточно спорное, характеризующее разные направления современного искусства, которые "переосмысливают" старое, дают новое прочтение идеям или перефразируют известные произведения искусства. . Часто для направлений посмодернизма характерна приставка нео - (Фрэнсис Бэкон, Люсьен Фрейд(1922- 2011, Альберто Джакометти (1901-1966) - "новая фигуративность"), Аниш Капур - неоэкспрессионизм), нео-поп (в основе - ироничный поп-арт) Джефф Кунс , Дэмьян Херст, .Вим Дельвуа ).

Темы для докладов (презентаций):

Произведение любого представителя конца 20- начала 21 века - идеи, задачи, воплощение, реакция публики


граффити
стрит-арт
арте-повера
актуальное искусство
современное искусство
посмодернизм
китч,
нео-поп

Жан Мишель Баскиа,
Бэнкси,

Микеланджело Пистолетто,

Ай Вэйвэй,

Фрэнсис Бэкон,
Люсьен Фрейд,
Альберто Джакометти,

Аниш Капур,

Джефф Кунс,
Дэмьян Херст,
Вим Дельвуа

7. Архитектура 20 века. Знаковые сооружения.
Становление современной архитектуры приходиться на конец 19 - начало 20 века в резльтате развития промышленности, науки и техники. Точкой отсчета можно считать широкое использование новых строительных материалов: металла, стекла и железобетона. Первоначально металл был применен при строительстве железных дорог и мостов. Стекло и металл, а также принцип сборной модульной конструкции был применен в павильоне для Международной выставки в Лондоне в 1851 году Джозефом Пакстоном (1801-1865) - рустальный дворец" стал архитектурной революцией. В 1889 году на Международной выставке в Париже трехсотметровая башня Густава Эйфеля (1832-1923) положила начало эстетизации инженерных конструкций. Модерн в большом количестве стал использовать приемы, сочетавшие функционализм с эстетическими идеалами, объединяя принципы, лежащие в основе архитектурного дизайна, технологического прогресса и модернизации общества в целом (Виктор Орта, Гектор Гимар, Йозеф Хоффман, Йозеф Ольбрих, Антонио Гауди и др.) . Однако модерн стал последним большим стилем - то есть, стилем, одновременно проявившимся во всех видах искусства и фактически во всех странах.
В Америке архитектура была менее зависима от традиционных канонов прошлого, поэтому новые тенденции в архитектуре ярко проявились еще в 70х годах 19 века новое направление получило название чикагская школа и основано было на прагматизме. Символом чикагской школы стали небоскребы. Здание Страхового общества в Чикаго (1885) стало первым в мире небоскребом -архитектор Уильям Дженни (1832-1907). Его ученик Луи Салливан (1856-1924) стал одним из первых разрабатывать основы функционализма."Форма всегда следует за функцией - это закон. Если не меняется функция, не меняется и форма". Им же изобретена трехчастная схема офисного здания "коммерческого стиля" - где первые два этажа отдавались коммерции, основная часть - офисные помещения, завершает здание технический этаж. (Гаранти-билдинг в Буффало, 1895). Небоскребы стали символом Америки и без них нельзя вообразить современный город.
Наступившая после него эпоха модернизма характеризуется неравномерностью проявлением характерных черт стилей в различных видах искусства (некоторые тенденции могли существовать только в живописи). Более того, яркая индивидуальность многих архитекторов, ставших на путь реформ, фактически создавала новые ориентиры в архитектуре. Интенсивная урбанизация поставила перед архитекторами много новых и сложных задач, решение которых привело к формированию различных направлений. С начала 1980-х годов архитектура 20 века меняется с точки зрения структурных систем (услуги, энергия, технологии), становится мультидисциплиной со специализациями для каждого отдельного проектного типа. Современные здания требуют комплексного решения как в области архитектурного дизайна, так и технологий.
В истории развития архитектурных направлений стоит выделить творчество отдельных архитекторов, чьи исследования, проекты и здания стали ориентиром: Ле Корбюзье, Людвиг Мис ван дер Роэ, Вальтер Гропиус, Фрэнк Ллойд Райта, Оскар Нимейер и Альвар Аальто и др

В архитектуре XX в. выделяются следующие основные направления и стили:

Функционализм. В 1908 Адольф Лоос ( 1870-1933) в статье "Орнамент и преступление" выдвинул идею о том, что здания и бытовые вещи соврешенно не нуждаются в орнаменте. Идея стала основой эстетики архитектуры 20-х годов - гладкие стены, подчеркнутая прямоугольная форма, плоские крыши (вилла Мюллер в Праге, 1928). Петер Беренс (1868-1940), основоположник современного дизайна , видел задачу искусства в создании соответсвующих веку техники предметов дизайна и функциональных сооружений из современных строительных материалов, таких как стекло и сталь (Турбинный цех фирмы АЕГ в Берлине, изделия для фирмы АЕГ - 1909). Бруно Таут ( 1880-1938) - архитектор, проявивший себя во многих направлениях о функционализме говорил следующее: :«Что хорошо функционирует, то хорошо и выглядит. Мы попросту не верим, чтобы что-либо могло плохо выглядеть и в то же время хорошо функционировать».
В 1920-30 х годах в Советском Союзе идеи функционализма проявили себя в авангардном течении конструктивизм, для которой девиз " Тектоника, конструкция и фактура — мобилизующие материальные элементы индустриальной культуры" проявился строгостью, геометризмом, научным подходом, экономичностью, рациональностью и индустриализацией строительства, лаконичностью форм и выявлением во внешнем облике конструктивной основой здания.Владимир Татлин (1885-1953) считается родоначальником конструктивизма - Башня 3 Коммунистического Интернационала (1920). Константин Мельников (1890-1974) в 1925 году его павильон представил авангардную архитектуру Советского государства на Международной выставке в Париже.Клуб им. Русакова в Москве, 1929 наиболее значительный проект. Примером конструктивизма в Минске является дом правительства Республики Беларусь 1934 Иосифа Лангбарда (1882-1951).

Экспрессионизм.
Появился фактически одновременно с функционализмом, но абсолютно противоположный по идее - необычный архитектурный объект, своеобразная фантастичность и художественная образность - являются характерными чертами этого направления. Эрих Мендельсон (1887-1953) - (астрофизическая лаборатория в Потсдаме "Башня Эйнштейна" 1921), Фриц Хёгер (1877-1949) - офисное здание Чилехаус в Гамбурге 1924.

Футуризм. Стихийный рост городов на рубеже 20 века приводит к поиску принципиальных изменений в градостроительстве. Эбинезер Говард (1850-1928) в 1903 году опубликовал книгу "Города-сады будущего", в которой была сформулирована концепция идеального города - городов-спутников на 100 тыс. населения. Тони Гарнье (1869-1948) разработал проект "индустриального города" на 35 тыс. жителей. Бруно Таут соединил идеи экспрессионизма и функционализма увлекся идеей создания идеального города - Посёлок Хуфайзен в берлинском районе Бриц. 1925. В 1914 году на выставке в Милане были показаны архитектурные фантазии на тему "Новый город" Антонио Сант-Элиа (1888-1916), им же написан манифест футуристической архитектуры, где отрицались культурные ценности прошлого, провозглашая новое понимание архитектуры, связанной с миром высоких скоростей и крупной индустрии. "это архитектура расчета, смелого дерзания и простоты, это архитектура железобетона, стекла, стали, картона, текстильного волокна и всех заменителей дерева, камня и кирпича, которые позволяют добиваться максимальной эластичности и легкости". Его фантастические идеи остались на бумаге из-за преждевременной смерти, но не остались без внимания.

Группа "Де Стайль" (De Stijl) - неопластицизм.
После Первой мировой войны Голландия достаточно пострадала и целью нового движения было создание интернационального искусства в духе мира и гармонии. Логика красоты достигалась с помощью равновесия контрастов и сетки пересекающихся под прямым углом линий, отказ от фигуративности, перспективы, цветовых оттенков и светотени ( Тео ван Дусбург, Пит Мондриан). В архитектуре идеи Пита Мондриана в трехмерном пространстве развил Геррит Ритвелд ( 1888-1964), где фасад дома читается как гармоничное равновесие плоскостей и объёмов , горизонталей и вертикалей, остекленных и глухих участков стены ( Дом Шредер, Утрехт, 1924). Издавая свой журнал, группа оказала серьёзное влияние на идеи в архитектуре и дизайне.

Ар Деко. Скорость, путешествия, роскошь, досуг и современность - Ар Деко возник во Франции как "современный" стиль в 20х годах и быстро распространился по всему миру, особенно проявив себя в США. Это своебразный симбиоз идей модерна, модернизма и функционализма отлично проявил себя в дизайне, ярким примером стали небоскребы Нью-Йорка. Крайслер-билдинг (1930) архитектора Уильмяма Ван Алена (1882-1954), Эмпайер-стэйт-билдинг (1932) архитектурной фирмы "Шрив, Лэмб и Хармон", комплекс "Рокфеллер-центр" , 1939 - архитекторы Х.Корбетт, У.Харрисон, У.Моррис, Р.Худ и др.

Органическая архитектура и регионализм.
Ярчайшим представителем является Фрэнк Ллойд Райт (1869-1959) -"... американская традиция, органическое восприятие мира и способность находить формы, отвечающие духу времени". Главной задачей органической архитектуры является создание зданий и сооружений, раскрывающих свойства естественных материалов и органично вписанных в окружающий ландшафт. В начале 20 века разрабатывает концепцию и строит многочисленные "дома прерий", которые стали естественным продолжением окружающей природной среды и где были реализованы основные принципы: лаконичность, свободный план, горизонтальные ленточные окна, большие свесы крыш, семейный центр -камин, гармоничность с природой, местный природный строительный материал - Дом Роби, Чикаго, 1909. Ярким примером учета рельефа и современных требований - "Дом над водопадом" - вилла Э Кауфмана, шт.Пельсильвания, 1936. Принцип проектирования "изнутри-наружу" хорошо читается в последнем проекте Музее Гуггенхейма в Нью-Йорке 1944-1960 и в строениях компании "Джонсон" в шт.Висконти (!937, 1950).
Наиболее полно в скандинавской школе идеи органической архитектуры проявились в творчестве Алвара Аалто ( 1898-1976) - Санаторий Паймио , 1930, Библиотека в Выборге, 1934, Политехнический институт, Отаниеми, 1969, Дворец "Финляндия", Хельсинки, 1971. Для Аалто важно было учитывать не только конкретные условия окружающей природы и использовать традиционных естественных материалов, но и "создавать простые, добротные, неприкрашенные вещи, которые бы находились в гармонии с человеком и орнаганически служили ему".
Регионализм - своеобразное течение, совмещающее принципы современной мировой архитектуры и национальные особенности культуры своих стран. Бразильская архитектурная школа была основана Лусиу Коста ( 1902-1998) - учеником Ле Корбузье и учителем многих бразильских архитекторов. Первое крупный проект - здание министерства образования и здравоохранения в Рио-де-Жанейро (Дворец Густаво Капанемы), 1943. В 1957 году выиграл конкурс на проектирование новой административной столицы Бразилии- город Бразилиа - самым значительных градостроительным экспериментом 20 века. Оскар Нимейер (1907-2012) также один из основателей современной школы бразильской архитектуры, пионер и экспериментатор в области железобетонной архитектуры и работал до последних лет своей жизни. . "Мне по нраву свободный и чувственный изгиб. Тот изгиб, что я вижу в горах моей страны, в извилистых руслах рек, в облаках на небе, в теле любимой женщины. Из изгиба создана вся Вселенная". Для него характерна пластическая свобода и своеобразная лирика крупных бетонных форм. Дворец Национального конгресса в Бразилиа (1960), Президентский дворец «Алворада» (1958), Кафедральный собор г. Бразилиа (1960—1970), Музей современного искусства в Нитерое (1996)

Баухауз. "Дом строительства, роста, обучения" - школа, созданная в 1919 году в Веймаре в Германии. Директором высшего художественно-промышленного училища стал Вальтер Гропиус (1883-1969). Концепция школы была сформулирована в "Производственных принципах Баухауза" , прежде всего - это сближение искусства и промышленности при ведущей роли архитектуры, подготовка художников-универсалов, обеспечение производства дешевых, но высококачественных предметов быта и разработка метода строительства массового жилья - в отличие от традиционных ремесленных училищ, где работали над единичными предметами , Баухауз готовил профессионалов для промышленности, поэтому каждый студент знал производственный процесс разрабатываемого предмета от начала до конца. Педагогический состав был наиболее прогрессивным в то время (Василий Кандинский, Лайонель Файнингер, Йоханнес Иттен (автор знаменитого подготовительного курса основ цветоведения и материаловедения, обязательного для всех студентов ), Герхард Маркс, Пауль Клее, Оскар Шлеммер, Ласло Мохой-Надь, Марсель Брейер, Херберт Байер, Марианна Брандт) - "...мы не должны начинать со среднего уровня. Наш долг всякий раз, когда это возможно, привлекать ярких известны личностей, даже если мы еще не во всем их понимаем..". В 1925 году училище переезжает в Дессау, там Гропиус строит новое здание Баухауза, 1926. Кроме него, знаковыми строениями Вальера Гропиуса стали Здание завода «Фагус», 1916, Поселок Даммершток и Сименсштадт "строчная застройка", 1929, посольство США в Афинах, 1956, Восточная башня, Огайо, 1969. Ханнес Мейер (1889-1954) , (корпуса школы профсоюзов в Бернау, 1928-1930) был директором с 1928 по 1930, последний директор Людвиг Мис ван дер Роэ (1886-1969) (основные идеи - свободная планировка, универсальность, прямоугольные объемы, единая модульная схема, стандартные профили -т.е. универсальная архитектурная форма. Яркие примеры его творчества - Павильон Германии на Международной выставке в Барселоне, 1929, "Стеклянный дом" для Эдит Франсуорт, 1946-51, Сигрэм Билдинг в Нью-Йорке, 1958) , проработал до закрытия в 1933 нацистами из-за " космополитизма и недостаточной "немецкости",... и явного прибежища "еврейско-марксиствой концепции "искусства"". Несмотря на то , что учебное заведение прекратило свое существование, из-за вынужденной эмиграции многих преподавателей и учеников идеи Баухауза разнеслись по всему миру. Большинство преподавателей оказались в США - там их встречали как героев. Гропиус и Брейер преопдавали в Гарвардском университете, Мохой-Надь открыл в Чикаго Новый Баухауз, ставший впоследствии Чикагским институтом дизайна, Мис ван дер Роэ - декан Иллинойского Технологического института. Разработки Баухауза оказали определяющее воздействие на мировое искусство (особенно дизайн и архитектуру).

Интернациональный стиль.
Неофициальным девизом движения был предложенный Мисом ван дер Роэ парадокс: The less is more («меньше — значит больше»). В основе - отказ от национальных культурных особенностей и исторического декора в пользу прямых линий и чистых геометрических форм, лёгких и гладких поверхностей из стекла и металла. Излюбленным материалом архитекторов интернационального стиля стал железобетон и стекло, разработка "типовых" проектов стеклянных офисных небоскребов, в оформлении интерьера ценятся широкие открытые пространства. Главная характеристика- удобство и экономия на «архитектурных излишествах». (коллектив авторов, 1950), Метлайф-билдинг (Гропиус и др., 1963). Однако предложенные геометрические формы для корпоративных небоскребов и массовая застройка ими вскоре превратила бизнес-центры в скучные и унылые клоны.

Модернизм в архитектуре («modern movement»). Имеет такое же значение, что и в живописи - т.е. объединяет различных архитекторов с общими ценностями:
- использование самых современных строительных материалов и конструкций,
- рациональный подход к решению внутренних пространств (функциональный подход),
- отсутствие тенденций украшательства,
- принципиальный отказ от историзма и "национализма" в облике сооружений, их «интернациональный» характер.
Архитектурный модернизм фактически определяет творчество архитекторов, ставших ведущими для архитектуры 1900-1970х годов. Это и Фрэнк Ллойд Райт, и Вальтер Гропиус, и Ле Корбюзье, и Оскар Нимейер и многие другие. Для них сложно выделить одно направление в архитектуре, однако многие творения становится новаторскими
.
Ле Корбузье (1887-1965)
в 1923 году в статье "К архитектуре" указал на важную связь между инженером и архитектором, выдвигает лозунг серийного домостроения: "Дом - это машина для жинзни". В павильоне "Эспри Нуво" - квартире нового типа, построенной к Международной выставке 1925 г. в Париже были обозначены "пять отправных точек" современной архитектуры: 1) открытые опоры на нижних этажах здания, 2) плоская крыша-сад 3) свободная внутренняя планировка, 4) свободно организованный и независимый от каркаса стены фасад, 5) ленточные окна. Яркими примерами его идей стали вилла Ля Рош, 1924, жилой дом в посёлке Вейссенгоф, Штутгарт, 1927, вилла Савой 1930 г., общежитие швейцарских студентов в Париже, 1932. Был основателем Международный Конгресс Современной Архитетуры ( Congres International d’Architecture Moderne — CIAM) - международная организация архитекторов, созданная в 1928 году с целью консолидации архитекторов Европы, для профессионального обмена и в интересах развития современной архитектуры (просуществовала до 1956). В 1942-55 Ле Корбузье разработал модулор - основанную на фигуре человека и "золотой пропорции" шкалу измерения, которая использовалась во всех его постройках. Идеи градостроительства воплотились в многоквартирном доме "Жилая единица" в Марселе, 1952. Для Корбузье свойственна постоянная эволюция идей "каждый из нас должен принимать условия, в которых он живет, и приспособление к ним - его долг, а не выбор". Среди поздних работ - "брутальный" город Чандигарх в Индии (1951-1960) с крупными общественными зданиями в центре и экспрессивная, скультптурная капелла Нотр-Дам-дю-О в Роншане, 1954.

Неоэкспрессионизм (пластическая архитектура). С середины 20 века появляются новые архитектурные течения, которые не придерживаются строгого функционализма и осваивают новые большепролетные конструкции из монолитного железобетона. Первоочередной задачей неоэспрессионизма является выразительность художественного образа здания, усиление пластических тенденций, живописное размещение объемов в окружающей среде. Ээро Сааринен (1910-1961) провозгласил, что «в нашей деятельности за всякой логической целью кроется эмоциональная первопричина», в своих проектах. связал в единое целое скульптуру, дизайн и архитектуру. Сначала Сааринен привлёк к себе внимание оригинальным подходом к дизайну предметов мебели - «стул-тюльпан», "кресло-кузнечик", "кресло-чрево"популярны до сего дня , потом Проект Мемориальной арки (памятник Джеферсону, Западные Ворота) в Сент-Луисе, 1949-65. Основные работы — Северная христианская церковь, Коламбус, 1964 г., хоккейный каток Йельского университета 1959 - один из лучших его произведений, Библиотека юридического факультета Чикагского университета, 1959 г., аэровокзал авиакомпании TWA в международном аэропорту имени Кеннеди в Нью-Йорке 1962, аэровокзал в аэропорту имени Даллеса близ Вашингтона, 1962. Сааринен занимал доминирующее положение в американской архитектуре послевоенного времени и пользовался колоссальным авторитетом. Возглавляя жюри архитектурного конкурса на лучший проект Сиднейского оперного театра, Сааринен присудил победу малоизвестному датчанину Йорну Утцону (1918-2008). Сиднейский оперный театр, 1973 стал символом города и визитной карточкой Австралии. По словам Уотцона " в основе проекта Оперного театра лежит желание привести людей из мира ежедневной рутины в мир фантазии, где обитают музыканты и актеры".

Инженерно-пространственная архитектура (большепролетные сооружения). В 20 веке потребность в сооружениях с перекрытиями больших пространств (мосты, стадионы, торгово-промышленные объекты) резко возрасла. Большепролетные здания или сооружения - это сооружения с конструкциями покрытия пролетом свыше 36 м без промежуточных опор.Разработанные на стыке инженерии и архитектуры системы повторяются так или иначе на различных объектах. Пьер Луиджи Нерви (1891-1979) - итальянский инженер и архитектор, прозванный «поэтом железобетона», умел перекрывать огромные пролёты сводами из сборных бетонных элементов (никогда ранее не применявшихся с таким размахом), придавая итоговой композиции безупречное монументальное изящество. Малый дворец спорта (Палацетто)1957—59 , Дворец Труда в Турине (1961), Мацей Новицкий (1910-1950) и Фред Северуд (1899-1990) разработали идею вантовой конструкции ( Дортон-Арена в Роли, Северная Каролина, 1952) , Феликс Кандела (1910-1997) самостоятельно и в соавторстве со многими архитекторами разрабатывал криволинейные купола - ресторан в Хочимилько (1957-58),дворец спорта в Мехико (1968 г.),Церковь в Сан-Хосе (1994 г.). Идею геодезического купола разарботал Бакминистер Фуллер (1895-1983) - Биосфера Фуллера (Павильон США на Экспо-67, 1967.

Брутализм. В 1956 году Ле Корбузье на съезде СИАМ предложил распуститься и передать инициативу следующему поколению архитекторов. В поисках новых решений в противовес обезличенным и облегченным зданиям интернационального стиля было предложено использовать естественные фактуры материалов, обнажение конструкции (архитектоники) и системы инженерного оборудования зданий. Отправной точкой нового течения - брутализм- стали послевоенные проекты Ле Корбюзье, где он часто использовал фактуру опалубки бетона. Название стиля было образовано британскими архитекторами Элисон (1928-1993) и Питером (1923-2003) Смитсонами от французского термина «beton brut» — «необработанный бетон», англ. "brutal" -грубый/ .Школа в Ханстентоне, Норфолк, 1949—1954, Дэнни Ласдан (1914-2001) Королевский национальный театр в Лондоне (1976), Моше Сафди (р.1938) на Международной выставке в Монреале построил экспериментальный дом Хабитат-67, структура которго была сформирована из крупных бетонных блоков грубой формы (дом также можно отнести к направлению метаболизма).

Метаболизм.
Традиционно, архитектура Японии была частью природного окружения, включала натуральные материалы и элементы в интерьер и экстерьер, из-за сейсмологичности сборно-разборная конструкция здания была легкой и взаимозаменяемой. После 2 Мировой войны Япония достаточно быстро восстанавливалась, более того в 60-70х годах наблюдается экономический рост, что приводит к резкому росту городов. На стыке идей аналогии динамики равзития природы и общества, принципа цикличности появилось направление метаболизма (metabole - греч. превращение) - альтернатива функционализму. Метаболизм не тождественен органической и эко-архитектуре, в которых подражание живой природе затрагивает, главным образом, принципы формообразования и не развёрнуто во времени.Метаболисты предлагали смотреть на архитектуру как на живой организм - элементы городского организма, на их взгляд, могут переживать процессы, аналогичные тем, которые происходят в живой природе, т. е. рождение, созревание, старение, смерть и перерождение (не обязательно целого организма, а только части, как, например, у растений - листва). Они предложили сочетать незименную конструктивную основу (ствол) и временную систему заменяемых элементов (ячеек). Это позволяло открытой, незавершенной архитектурной структуре развиваться и расти, подобно метаболическому процессу в живом организме. Яркий признак такой архитектуры — её модульность, ячеистость, - ярким примером является башня «Накагин» (Nakagin Capsule Tower, 1972) Кисё Курокавы (1937-2007). Теория метаболизма – это в первую очередь градостроительная теория, которая предполагала радикальные преобразования городской среды. Идеи постоянного развития города-организма были проработаны в планах развития городов в сторону акватории Кендзо Танге (1913-2005). В 1967 году он построил Центр Информации в Кофу , который можно считать манифестом метаболизма.Кионори Кикутаке (р.1928) 60-х годов изучает проблему высокой плотности застройки городских центров и разрабатывает принципы проектирования высотных зданий, способных ее решить (проект Дом-ель , 1966, реализация -Отель Sofitel Tokio, Токио, 1994).

Структурализм. Реконструкция разрушенных войной городов и новые требования к их функциям стали толчком для развития структурализма -направления, появившееся в Голландии в 1950-1960-е гг. и занявлее промежуточное положение между конструктивизмом и функционализмом 20-х и хай-теком 80- 90-х годов. В основе идеи - эстетизация конструктивных форм (функционализм не допускал подчинение объемных форм композиционным решениям, функция всегда играла определяющую роль) и четкое разделение на различные объемы по функциям. Первый показательный объект - торговый центр "Леенбаан", 1953 архитекторов Йоханесса ван дер Брука (1898-1978) и Якоба Бакема (1914-1981) решен в виде пешеходной улицы в 600 м длиной и расположенных по обе строрны однотипных торговых павильонов, объедененных в ряды "... дома и города создаются не столько для того, чтобы в них жили, сколько для того, чтобы они влияли на способ жизни тех, кто в них живет..." Ярким примером голландской архитектуры является также Пит Блом (1939-1999) - Жилой комплекс в Роттердаме "Кубические дома", 1984. Другой известный представитель структурализма - Луис Кан (1901-1974) считал, что "структура - есть пространство....архитектура - разумный способ организации пространства..." (унитарная церковь в Рочестере ,1962, институт Солка в Ла-Холяь в Калифорнии, 1965, правительственный центр в Бангладеше, 1976).

Историзм.
Необходимо отметить серьезный пласт архитектуры 20 века - увлечение историческими стилями, прежде всего классицизмом (неоклассицизм), - тоталитарными государствами. Желая подтвердить свое "многовековое" право на существование, происходит своеобразная "мифологизация" режима. Цитирование происходит как напрямую (сталинский ампир , Иван Жолтовский (1867-1959), Жилой дом на Моховой улице в Москве, 1934, Михаил Бакланов (1914-1990) Национальный художественный музей Республики Беларусь , 1954), так и в сочетании с функциональными требованиями (Б.Э.Ла Падула, Дж. Гуэррини, М.Романо - Дворец цивилизаций ("Квадратный Колизей") и идеологическими задачами (например, создание "самого большого", монументального - московские высотки). Увлечение историзмом продлилось до 1960х годов.

Постмодернизм.
В 70х годах бунт против безликого интернационального стиля проявился в своеобразной театрализованной игре с историческими архитектурными стилями и различными материалами. Роберт Вентури (1925 -2018) в книгах "Сложность и противоречия архитектуры", "Уроки Лас-Вегаса" предлагает "опираться на все богатство и моногозначность современного опыта, включая и опыт, присущий современному искусству" . Девиз Мис ван дер Роэ "Меньше - это больше" заменяет на "Меньше - это скучно". Постмодернизм легко смешивает все времена, стили и жанры, чтобы выразить идею архитектуры, для которой уже нет разницы между прошлым и настоящим, между культурами. Вентури говорит о вкусах современного человека, о том, что он одновременно может слушать классическую музыку и поп-музыку, а соответственно, что современный человек эклектичен во вкусах и предпочтениях. Тогда почему этому же человеку не может нравиться «поп-архитектура»? Архитектор вправе наложить на функционально-конструктивную основу декорацию, взятую из любого стиля, образность и оригинальность, которые вызывают у зрителя ассоциации, становится визиткой здания. Дом Ваны Вентури , 1964. Художественный музей Сиэтла, 1991 г. Характерным примером служит вызвавшая сенсацию в 1977 году постройка Чарльза Мура (1925-1995)Пьяцца д'Италиа в Новом Орлеане (1977) , месте, избранном итальянской общиной города для проведения своих фестивалей. Желание заказчиков – создать материальное воплощение ностальгии – архитектор выполнил в форме гротеска, создав коллаж из классических европейских архитектурных мотивов, который располагается вокруг громадной каменной карты Италии. Сама постановка задачи сделала оправданным использование эклектичных форм ради создания художественного образа-ассоциации. Марио Ботта (р.1943) часто обращается к древнеримской, средневековой и ренессансной архитектуре, создавая новые сооружения. Церковь Святого Иоанна Крестителя, 1992, Винодельня Петра, Суверето, 2003..

Хай-тек.
High technology - высокие технологии - один из ведущих стилей конца 20-21века, основанный на технократизме и изпользовании новейших технологических разработок и материалов. Подчеркивается функционально-техническая сторона архитектуры, инженерных констркуций и технологий. Требует высокого качество исполнения. Одним из ранних сооружений в стиле хай-тек стал Национальный центр искусств им.Жоржа Помпиду в Париже, 1977 архитекторов Ричарда Роджерса (р.1933) и Ренцо Пьяно (1937). В этом здании все коммуникации выведены наружу здания и окрашены в разные цвета по их назначению. В 1986 в Лондоне Роджерсом построено здание компании Ллойд, который сразу стал примером ультрасовременного небоскреба. Норман Фостер (р.1935) использует самые современные инженерные решения не только для строительства своих зданий , но и эксплуатации. Для него важны вопросы экологии и энергосбережения: Новое здание мэрии Лондона "Сити-холл", 2002, Здание швейцарской страховой кампании "Swiss Re" ("небоскреб Мэри-Экс"), 2004. Йо Минг Пей (р. 1917) разработал вход в Лувр ,1987, небоскреб Банка Китая в Гонконге, 1990. Творчество Сантьяго Калатравы (р.1951) имеет свой почерк - для него характерно сложное, новаторско-конструктивное решение сооружений (не только зданий, но и мостов), футуристичность и скульптурность общего образа . Мост Аламильо в Испании, 1992, Телебашня Монжуик Барселона,1992, Художественный музей в Милуоки, 2001, Аудиторио-де-Тенерифе, 2003 и др.

Деконструктивизм.
Новые принципы архитектуры стали возможны с появлением компьютерных технологий. Разрушение границ привычной архитектуры, сложившихся понятий, традиций и форм принято называть деконструктивизмом - хотя скорее, это создание конструкций, выходящих за рамки привычных - иррациональных, динамичных, абстрактных, коллажных, ломанных и плавных сложных форм объемных структур. Сложнейшие ломанные плоскости и их взаимодействие в реальных условиях смогли просчитать только с помощью компьютерной моделировки. Один из пионеров деконструктивизма стал Фрэнк Гери (р.1929) - Музей Гуггенхейма в Бильбао , 1997 и Концертный зал Уолта Диснея, 2003 - скорее напоминают скульптурные, чем архитектурные объекты. Национальный банк Нидерландов в Праге (1995)- скорее изобразительный, чем пластических образ. Даниэль Либескинд (р.1943) известен своими новаторскими подходами к решению задач современного музея - Еврейский музей в Берлине, 1999 , Королевский музей Онтарио в Торонто (2007) - напоминают собой изломанные линии гор. Голландский архитектор и теоретик деконструктивизма Рэм Колхас (р. 1944) открывает две мастерские - проектную (ОМА) и научную (АМО), где опробывают новые идеи и возможности их реализации в архитектуре - центральная библиотека Сиэтла (2004), Штаб-квартира CCTV (Центральное телевидение Китая), 2008 и др. Первой женщиной-архитектором, получившей Притцевоскую премию за свои достижения стала Заха Хадид (1950-2016) -«королева кривой», которая «освободила архитектурную геометрию, придав ей совершенно новую выразительную идентичность» . Оперный театр, Гуанчжоу,2011, Центр Гейдара Алиева, Баку, 2012, Бизнес-центр «Пересвет-Плаза», Москва, 2015 и др.


 

Индустриальная архитектура,
Чикагская школа,
Функционализм,
Конструктивизм,
Экспрессионизм,
Футуристическа архитектура,
"Де Стайль",
Ар Деко,
Органическая архитектура,
Регионализм,
Баухауз,
Интернациональный стиль,
Архитектурный модернизм,
Неоэкспрессионизм,
Инженерно-пространственная архитектура,
Брутализм,
Метаболизм,
Структурализм,
Хай-тек,
Деконструктивизм

Джозеф Пакстон- рустальный дворец" ,
Густав Эйфел "Башня" ,

Уильям Дженни "Здание Страхового общества в Чикаго",
Луи Салливан " Гаранти-билдинг в Буффало"

Адольф Лоос "Вилла Мюллер в Праге",
Петер Беренс " Турбинный цех фирмы АЕГ в Берлине",

Владимир Татлин " Башня 3 Коммунистического Интернационала ",
Константин Мельников "луб им. Русакова в Москве",
Иосиф Лангбард "дом правительства Республики Беларусь
"

Эрих Мендельсон "Башня Эйнштейна",
Фриц Хёгер "Чилехаус"

Бруно Таут "Посёлок Хуфайзен "

Геррит Ритвелд "Дом Шредер"

Уильмям Ван Ален "Крайслер-билдинг",
"Шрив, Лэмб и Хармон" "Эмпайер-стэйт-билдинг",
Х.Корбетт, У.Харрисон, У.Моррис, Р.Худ "Рокфеллер-центр"

Фрэнк Ллойд Райт "Дом Роби", "Дом над водопадом" , Музей Гуггенхейма", компания "Джонсон" ,
Алвар Аалто " Санаторий Паймио ", "Библиотека в Выборге" , "Политехнический институт", "Дворец "Финляндия""
Лусиу Коста "Дворец Густаво Капанемы", план города Бразилиа,
Оскар Нимейер "Дворец Национального конгресса в Бразилиа ", "Президентский дворец «Алворада» ", "Кафедральный собор ", "Музей современного искусства" ,

Вальтер Гропиус "здание Баухауза", "Здание завода «Фагус»" , "Поселок Даммершток и Сименсштадт" , "Посольство США в Афинах", "Восточная башня",
Ханнес Мейер "Школа профсоюзов в Бернау",
Людвиг Мис ван дер Роэ "Павильон Германии на Международной выставке в Барселоне", "Стеклянный дом" "Сигрэм Билдинг "

Штаб-квартира ООН,
Метлайф-билдинг

Ле Корбузье "вилла Ля Рош" "жилой дом в посёлке Вейссенгоф", "вилла Савой ", "общежитие швейцарских студентов в Париже", "город Чандигарх", "капелла Нотр-Дам-дю-О "

Ээро Сааринен "Проект Мемориальной арки ", "Северная христианская церковь", "хоккейный каток Йельского университета", "Библиотека юридического факультета Чикагского университета", "аэровокзал авиакомпании TWA", "аэровокзал в аэропорту имени Даллеса ",
Йорн Утцон "Сиднейский оперный теарт"

Пьер Луиджи Нерви "Малый дворец спорта- Палацетто", "Дворец Труда"
Мацей Новицкий, Фред Северуд
"Дортон-Арена",
Феликс Кандела "ресторан в Хочимилько ", "дворец спорта в Мехико" , "Церковь в Сан-Хосе "
Бакминистер Фуллер "Биосфера Фуллера"

Элисон и Питер Смитсоны "Школа в Ханстентоне",
Дэнни Ласдан "Королевский национальный театр в Лондоне " ,
Моше Сафди "Хабитат-67"

Кисё Курокава "башня «Накагин» ",
Кендзо Танге "Центр Информации в Кофу",
Кионори Кикутаке "Отель Sofitel Tokio"

Йоханесс ван дер Брук, Якоб Бакем "Торговый центр "Леенбаан",
Пит Блом "Кубические дома",
Луис Кан " унитарная церковь в Рочестере ", "институт Солка в Ла-Холяь", "правительственный центр в Бангладеше"

Иван Жолтовский "Жилой дом на Моховой улице",
Михаил Бакланов " Национальный художественный музей Республики Беларусь",
Б.Э.Ла Падула, Дж. Гуэррини, М.Романо "Квадратный Колизей"

Роберт Вентури "
Дом Ваны Вентури" , "Художественный музей Сиэтла",
Чарльз Мур "Пьяцца д'Италиа в Новом Орлеане ",/
Марио Ботта "Церковь Святого Иоанна Крестителя", "Винодельня Петра"

Ричард Роджерс и Ренцо Пьяно "Центр Помпиду",
Ричард Роджерс "
здание компании Ллойд",
Норман Фостер
"Сити-холл", "небоскреб Мэри-Экс",
Йо Минг Пей "Вход в Лувр",
Сантьяго Калатрава "Мост Аламильо", "Телебашня Монжуик ", "Художественный музей в Милуоки", "Аудиторио-де-Тенерифе",

Фрэнк Гери "Музей Гуггенхейма в Бильбао" , "Концертный зал Уолта Диснея" , "Национальный банк Нидерландов"
Даниэль Либескинд
"Еврейский музей в Берлине", "Королевский музей Онтарио" , Рэм Колхас "Центральная библиотека Сиэтла ", "Штаб-квартира CCTV "
Заха Хадид "Оперный театр, Гуанчжоу", "Центр Гейдара Алиева", "Бизнес-центр «Пересвет-Плаза»"

8. Современное искусство – музеи, галереи, биеналле, выставки.
Крупнейшие музеи современного искусства в мире:
1. МоМА (Museum of Modern Art).
Нью-Йорк, 1929.. Музей является самым большим музеем современного искусства в мире. Он один из первых, кто направил свою деятельность на искусство модернизма и современных тенденций.
http://www.moma.org/
2. Тейт Модерн (Tate Modern). Лондон, 2000, Собраны произведения искусства начиная с 1900 года по наши дни
http://www.tate.org.uk/visit/tate-modern
3. Музеи Гуггенхайма (Guggenheim Museum), Нью-Йорк, 1959, Музей Гуггенхайма в Бильбао (Guggenheim Museum Bilbao) 1997 Бильбао , ИспанияРасполагает ведущими собраниями современного искусства.
http://www.guggenheim.org/
4. Центр Жоржа Помпиду.(Centre Pompidou) Париж., 1977. Центр культуры и искусств. Он был открыт в 1977 году для того, что бы изучать современное искусство в виде танца, музыки и художества.
http://www.centrepompidou.fr/en
5. Гамбургский вокзал - музей современного искусства в Берлине , 1996 - большая коллекция Эриха Маркса
http://www.hamburgerbahnhof.de/text.php

Биеннале современного искусства — наиболее распространенный сегодня формат масштабной презентации проектов и работ современных художников. который проходит раз на два года и совмещает в себе выставочные проекты и сильную образовательную программу, имеет четко продуманную тему и концепцию. Первая Венецианская биеннале была основана в 1895 году.
- Венецианская биеннале - июнь - ноябрь— один из самых известных форумов мирового искусства, международная художественная выставка, проводящаяся раз в два года с участием международного жюри.
- Берлинская биеннале — 25 мая — 3 августа, это форум современного искусства, концепции, которые по большей части являются диалогом между жителями города.
- Art Basel - июнь - Основанная в 1970 году, выставка Арт Базель Art Basel является одной из ведущих художественных выставок-ярмарок современного искусства, проходящая в Базеле, Майами-Бич и Гонконге Выставка ART BASEL в Швейцарии Время: 14 июня – 17 июня

Первые коммерческие галереи появились вместе с первыми арт-дилерами в XIX в. Возникла совершенно новая система отношений на арт-рынке: дилер стал посредником между покупателем и художником и одновременно покровителем последнего. Одним из первых знаменитых коллекционеров-дилеров стал Поль Дюран-Рюэль, который первым по достоинству оценил работы художников-импрессионистов и некоторых из них буквально спас от нищеты.
Сегодня самые крупные и известные коммерческие галереи находятся в мировых арт-столицах – Лондоне (“White Cube”, “Serpentine Gallery”, “The Saatchi Gallery”, – сейчас также и музей актуального искусства) и Нью-Йорке (“David Zwirner”, “Pace”, “Gladstone Gallery”). Настоящим «арт-гигантом» среди галерей считается “Gagosian” – сеть выставочных пространств по всему миру (помимо Лондона и Нью-Йорка имеет филиалы в Париже, Гонконге, Риме, Афинах, Сан-Франциско), основатель которой крупнейший диллер искусства - Ларри Гагосян, ориентируется на самых популярных и продаваемых художников и на самых богатых коллекционеров. В противоположность этому типу существуют галеристы, которые, не отрицая коммерческой направленности своей деятельности, всё же стараются тратить свои силы и средства на то, чтобы открывать новые имена, поддерживать локальных художников и выводить их постепенно на международный уровень. Доходы этих двух типов галеристов несопоставимы: в то время как первые распоряжаются сотнями миллионов долларов, другие зачастую могут находиться в затруднительном положении из-за низких продаж, так как продвигают «нераскрученных» художников.


 

 

Краткий конспект по истории искусств для 2 класса. Введение в историю искусств.
Краткий коснпект по истории искусств для 2 класса. Искусство Древнего Мира.

Краткий конспект по истории искусств для 3 класса. Искусство Античности и Средневековья
Краткий конспект по истории искусств для 3 класса. Искусство Возрождения

Краткий конспект по истории искусств для 4 класса. Искусство 17-18 веков.
Краткий конспект по истории искусств для 4 класса. Искусство 18-19 веков.

Краткий конспект по истории искусств для 5 класса. Искусство 20 века.
Кароткі нарыс па гісторыі мастацтваў Беларусі. 5 клас.

 
 

 

©2009 ДХШ г. Гродно
ГлавнаяО школеУченикам и родителямГалереяКонтакт